Comme je l’avais mentionné précédemment, le 9 juillet dernier était le Inception Day. Avec quelques amis blogueurs, j’ai eu l’occasion d’assister à la projection presse du film événement de Christopher Nolan (une vraie claque à découvrir absolument au cinéma) et à la conférence de presse avec Leonardo DiCaprio et Marion Cotillard. Mais surtout, c’était l’occasion d’interviewer une partie du casting d’Inception. Et quand on a en face de soi Ellen Page, Cillian Murphy, Ken Watanabe, Joseph Gordon-Levitt et Tom Hardy, on a un peu de mal à réaliser. Bref voici les images de la rencontre.

Évidemment, vous noterez que je fais mon timide qui bafouille en anglais mais en même temps, avec un casting aussi impressionnant en face pour la première fois, on perd un peu ses moyens (surtout quand on est assis à côté de Tom Hardy qui en impose !).

Encore merci à Allociné et Warner pour cette super journée et fabuleuse rencontre.

Le voilà, le film de l’année que l’on attendait tant ! Et Christopher Nolan ne déçoit pas. Inception est un rêve de cinéma, un vraie claque comme on n’en a pas pris depuis Dark Knight.

Christopher Nolan avait un grand défi à relever. Faire plus fort que The Dark Knight et être à la hauteur de l’attente qui n’a fait qu’augmenter ces derniers mois à chaque image révélée. Et avec Inception, encore une fois, il dépasse tout cela pour livrer un film unique, un blockbuster intelligent et personnel que l’on n’oubliera pas.

Pour simplifier le pitch, disons qu’il s’agit au fond, ni plus ni moins d’une classique histoire de braquage. Comme tous les films du genre, nous avons la scène d’exposition, la mission, la formation de l’équipe, le plan et le braquage proprement dit. Sauf que Nolan (avec l’aide de son frangin au scénario qu’ils ont mis bon nombre d’années à écrire et réécrire) transcende le genre en le portant dans un univers SF de haut niveau. Car dans Inception, ce qu’il y a à braquer, ce n’est pas une banque mais l’esprit humain. Ici, on cherche des infos dans les inconscients des gens en se baladant à travers leurs rêves. C’est comme cela que Dom Cobb sera amener à implanter une idée dans l’esprit d’un héritier industriel pour le compte de son concurrent mais rien ne se passera comme prévu. Et si l’histoire devient alors un peu compliquée à expliquer, à l’écran, tout est pourtant limpide. C’est là l’une des grandes forces du film. Si il a l’air complexe au premier abord, en reprenant finalement une structure connue et en donnant une grande partie des cartes en main au spectateur dès le premier tiers, le film ne s’embourbe jamais malgré une plongée vertigineuse dans les multiples rêves de ses héros. Encore une fois, Nolan montre qu’il est tout à fait maître de son histoire, de l’introduction jusqu’au générique et livre un récit aussi efficace qu’impressionnant et astucieux. Une plongée magistrale dans le monde de l’inconscient de 2h30 où l’on ne voit pas le temps passer.

Avec un thème comme les rêves et la manipulation de l’esprit, les fans de Nolan ne seront pas déçus puisque le film est complètement en accord avec le reste de la filmographie du réalisateur. Memento, Insomnia, Le Prestige, et même les deux Batman, tous ses films nous amènent directement à Inception qui est tout simplement ce que Nolan peut faire de mieux. Sous ses airs de blockbuster intelligent et efficace, le film est aussi complètement personnel. Les thèmes abordés mais aussi l’univers du film noir chers à l’auteur sont là et des intrigues intimistes comme l’amour éternel pour une personne disparue ou la recherche de reconnaissance d’un père sont abordées de manière très juste.

Toutes ces histoires imbriquées sont également mises en scène de manière magistrale. On sait que Nolan aime s’entoure depuis un moment de pros qui connaissent bien leur job, que ce soit à la photo, à la musique, aux décors, fx … Encore une fois, tous les postes sont mis à contribution pour livrer un film plein et entier. Aucun aspect technique n’est laissé pour compte. Les images sont magnifiques, les effets sont réalistes et impressionnants (le retournement de Paris, un train en pleine rue, la séquence de Joseph Gordon-Levitt dans l’hôtel simplement hallucinante !), et le montage est en cohérence parfaite avec le sujet (l’utilisation des ralentis est complètement justifiée et permet de maintenir une pression constante comme rarement cela a été fait). On notera également la partition impressionnante d’un Hans Zimmer inspiré qui mettra à rude épreuve le surround du cinéma

On se souvient évidemment du casting incroyable que Nolan avait dirigé de main de maitre dans Dark Knight. Ici, il fait encore plus fort. Car si Leonardo DiCaprio est comme toujours impeccable dans le rôle de Dom Cobb qui possède certains points commun avec le héros torturé de Shutter Island, il est entouré d’une sacrée équipe. Marion Cotillard obtient ici son meilleur rôle dans lequel elle joue de manière très juste un personnage complexe, rempli de zones d’ombres, intimement lié à la descente dans les sombres rêves de Cobb. Nolan a également travaillé chaque membre de l’équipe réunie par le héros de manière à ce que l’on puisque s’identifier à eux. Aucun personnage n’est laissé de côté et tous ont quelque chose à raconter. On sent tout de suite leur passé, on s’attache à leur personnalité et chacun aura son moment de gloire. Que ce soit la dualité des personnages de Joseph Gordon-Levitt et Tom Hardy, tous deux impeccables ou la découverte du concept de l’extraction à travers les yeux d’Ellen Page, chaque instant avec eux se savoure. Quand à Cillian Murphy, il rend son personnage de victime aussi intéressant et touchant que ses braqueurs.

Avec tous ces ingrédients parfaits, Christopher Nolan livre donc son récit complexe, tant dans son thème que part sa structure narrative de rêves imbriqués avec des personnages fouillés. Mais le film restera très lisible et posera même un certain nombre de questions à la sortie. Si le spectateur se prend une véritable claque cinématographique à la première vision après avoir maintenu son esprit constamment à l’affut, le film nécessite plusieurs visionnages qui permettront de répondre à quelques questions ou justement en poser de nouvelles. La fin légèrement ouverte laisse le spectateur interpréter ce qu’il veut et Nolan n’y apportera pas la réponse. Tout ça sent déjà le film culte (oui, le mot est déjà lâché !)

Évidemment, certains y verrons un peu de Matrix (??) ou de Dark City et même du James Bond (dixit Rolling Stone ?????), mais les influences sont tellement mieux digérées par Nolan qu’Inception est 100% personnel et offre au spectateur une véritable experience de cinéma comme on n’en vit que rarement. Cela faisait un moment que, l’industrie du rêve, ne nous en avait pas livré un sur un plateau d’argent. Au milieu de bon nombre de films prenant le spectateur par la main pour tout lui expliquer lourdement en lui lavant le cerveau, Christopher Nolan bouscule tous ces principes de grand studio pour livrer un film hollywoodien comme on n’en a pas vu de puis un sacré bout de temps. Inception est le grand blockbuster efficace et intelligent que l’on n’espérait plus et comme nous n’en voyons que peu en une décennie. Maintenant, il nous ne reste plus qu’à savoir ce que Nolan nous proposera après son troisième volet de Batman. Le rêve ne fait que commencer.

PS : Je tiens évidemment à remercier grandement le Club300Allociné pour m’avoir invité au Inception Day pour le film et m’avoir également permis de le revoir en Imax. Géant !

Après 10 ans d’attente, Pixar fait revenir Wooy et Buzz dans notre coffre à jouets pour des retrouvailles qui ne déçoivent pas. Toy Story 3 est une grande réussite excitante et émouvante à souhait.

Vous rappelez-vous de ce que vous avez-fait de vos jouets préféré une fois que vous aviez grandit ? C’est la question qui vous viendra à l’esprit après avoir vu Toy Story 3. Car plus que des retrouvailles avec des jouets que l’on connait depuis 1995 et avec lesquels ont a tous grandi, le nouveau Pixar est un rappel que nous avons tous changé depuis et que notre enfance et ses souvenirs sont bien passés.

10 ans après avoir échappé à un collectionneur peu scrupuleux, Andy a grandi et n’a pas ressorti ses jouets depuis un bon moment. Maintenant il s’apprête même à entrer à la fac et va donc quitter le cocon familial. Du coup, c’est la panique chez la bande à Woody qui va malencontreusement se retrouvée piégée dans une garderie.

On ne va pas en dire plus sur le scénario si ce n’est qu’il vous réserve bien des surprises. En effet, si l’on est en terrain connu avec nos personnages favoris, plein de nouveautés font leur apparition. De nouveaux jouets bien sûr (Ken et Barbie en sont le plus bel exemple), mais surtout une foule d’idées des clins d’œils aux classiques qui font toujours mouche. Encore une fois, Pixar met en avant toute l’humanité des personnages qui cherchent désespérément à retrouver Andy dans une Grande Évasion mémorable d’inventivité, mettant à rude épreuves toutes les capacités des héros (et de Mr Patate en particulier).

Évidemment, depuis 10 ans, la technique s’est grandement améliorée et l’on voit une nette différence. Le réalisateur Lee Unkrich (qui a eu l’occasion de travailler sur les précédents épisodes) propose une mise en scène d’une fluidité inégalée qui frappe dès la scène d’introduction et au réalisme des environnement supérieure à Wall-E. La 3D est utilisée de manière discrète, ainsi, elle ne gène pas le spectateur tout en offrant une profondeur de champs intéressante sans pour autant être indispensable à la vision du film.

Mais la technique n’est rien en comparaison avec ce que nous font ressentir tous ces jouets auxquels nous sommes tellement attachés car Toy Story 3 nous présente avant tout de grands moments de rigolade et surtout d’émotions. Ici, ce sont l’esprit de groupe et l’amitié qui sont plus fort que tout, unissant jusqu’au bout les jouets dans leur quête nostalgique du temps où Andy jouait avec eux. C’est aussi un magnifique discours sur le passage à l’âge adulte, où l’on quitte ce qui nous rattache à l’enfance. Et quelle plus belle manière de le faire que de passer le relais.

Pixar adopte avec ce Toy Story 3 un ton un peu plus sombre que dans les précédent et un discours complètement adulte, dans la lignée des derniers opus du studio qui devrait arracher quelques larmes aux plus réfractaires tant les émotions sont ici sincères. Encore une fois, Pixar frappe donc en plein cœur pour nous offrir son film le plus abouti. A voir absolument.

A noter qu’avant le film, vous aurez aussi le droit à l’habituel court-métrage du studio. Cette fois, il s’agit de Day and Night. Une petite histoire mettant en scènes les 2 personnages du jour et de la nuit qui nous montrent chacun les 2 facettes du monde pour nous donner un message très juste avec une 3D relief utile et offrant au court récit une profondeur et une dynamique inédite.

Merci évidemment au Club300Allocine pour la projection qui fut un enchantement.

Comme certains le savent, vendredi dernier, j’ai eu droit à la plus belle journée de ma vie de blogueur ciné. Normal, c’était pour Inception ! Petit récit d’une journée haute en couleurs.

C’est avec les compères Galathys, InthemoodforCinema, Filmosphère, FilmGeek, Buzzmygeek, Cineshow et RobGordonatoujoursraison que j’ai donc été invité par Allociné à une journée pas comme les autres.

Tout commence par la projection presse de bon matin. Le film de l’année commence et 2h30 plus tard, je suis juste sous le choc. Inception est complexe, ingénieux, ambitieux, grandiose. Bref, un vraie claque comme il en arrive rarement (depuis The Dark Knight en fait !). Mais sur le film, je n’en dirais pas plus pour le moment, la critique arrivera dans une semaine exactement (avec un peu de recul, une fois que je l’aurais revu en Imax).

Puis vient rapidement l’heure de la conférence de presse au Bristol. Au milieu de tous les journalistes qui sont bien là à l’heure, j’assiste donc à près d’une heure de questions/réponses. Tout le casting est là : Christopher Nolan, Leonardo DiCaprio, Marion Cotillard, Michael Caine, Joseph Gordon-Levitt, Ellen Page, Ken Watanabe, Cillian Murphy, Tom Hardy et même la productrice Emma Thomas. Voici donc toute la conférence de presse. Les questions étaient plus ou moins pertinentes (selon les journalistes) mais l’équipe y a toujours répondu avec intelligence et humour (Ah ! Michael Caine est tellement drôle et class’)

et quelques photos by FilmGeek

Vous pouvez évidemment retrouver d’autres photos et vidéos sur les sites des autres blogueurs présents cités plus hauts.

Enfin, le clou de la journée est vite arrivé. Allociné et Warner nous ont réservé une entrevue rien que pour nous avec les acteurs secondaires (mais très loin d’être des comédiens de seconde zone) du film. Ellen Page, Cillian Murphy, Joseph Gordon-Levitt, Tom Hardy et Ken Watanabe ont répondu à nos questions pendant trentes minutes qui sont passées bien trop vite. Du bonheur à l’état pur de voir ces acteurs en vrai, d’aussi prêt et qui nous parlaient à nous. Vous pourrez très bientôt voir cela en vidéo dès qu’Allociné nous l’envoie.

Voilà une journée qui valait vraiment le coup d’être vécu et j’imagine que beaucoup d’autres blogueurs auraient rêvé d’être parmi nous. Encore un énorme merci à Allociné pour cette journée formidable. C’était un première et j’espère que ce ne sera pas la dernière.

Les films de SF sont rares sur nos écrans. Les films de SF réussis le sont encore plus. Mais voici qu’arrive Moon directement en DVD, à voir absolument.

Des fois, les voies de la distribution de films sont impénétrables. Parce que, disons-le tout de suite, Moon est un petit bijou de SF et qu’il a été à juste titre récompensé dans de nombreux festivals. Mais voilà que le film débarque sur nos terres directement en dvd, sans même une exploitation technique en salles. C’est fort dommage et même contestable, alors qu’on nous abreuve à longueur d’année de films loin d’être aussi intelligents. Bref, maintenant que ce coup de gueule est passé, intéressons-nous au film.

Nous nous retrouvons avec Sam sur une station lunaire. Il est seul sur notre satellite naturel et ne s’occupe que de l’entretien de la station dont l’objectif est d’extraire une nouvelle source d’énergie. Son seul ami est le robot Gerty. Mais un jour, il devra sortir pour réparer un matériel et un accident va se produire qui remettre toute son existence et sa mission en jeu.

Écrite et réalisée par Duncan Jones (fils de David Bowie … rien que ça … mais apparemment, le talent est héréditaire dans la famille), l’histoire de cet astronaute solitaire, isolé et loin de toute civilisation, est ce qu’il se fait de mieux en matière de SF. Ici, de nombreux thèmes d’actualité son abordés. Que ce soit le sacrifice d’un homme pour maintenir en vie notre civilisation, la consommation d’énergie, les intérêts industriels … mais le film pose aussi de nombreuses questions éthiques que je n’évoquerai pas au risque de vous spoiler le twist central du film. Car là est aussi la réussite du film, dans son écriture. Alors que l’auteur prend le temps d’installer son histoire, son personnage avec son ennui et sa solitude, l’histoire bascule d’un coup dans le thriller SF parano. On se demande si Sam est fou, si il hallucine ou si c’est la société sur Terre qui a basculé de l’autre côté.

Du côté de la mise en scène, Jones reste sobre et maitrise parfaitement son unique décor pour qu’on découvre chaque fois de nouveaux aspects du lieu. L’impression d’isolement est totale et les claustrophobes risquent de se sentir un peu oppressé par ces couloirs sombres. Les seules sorties quand à elles son de toute beauté lorsque l’on voit juste un « clair de Terre»  éclairer le héros, renforçant son éloignement de toute civilisation.

En dehors du talent de Duncan Jones, la réussite de Moon est également à mettre au crédit d’un Sam Rockwell inspiré. Navigant à vue dans un scénario  tortueux où plusieurs personnalités cohabitent, il arrive à retranscrire toute la complexité du ressenti de son personnage face à son impression de folie. Lorsque la vérité se dévoile, il n’est que d’autant plus touchant et intense. Rockwell, malgré le soutien de Kevin Spacey qui double le robot, porte complètement le film sur ses épaules et démontre donc encore une fois tout le talent qu’il ne peut exprimer dans les blockbusters habituels.

Porté également par une partition, comme toujours impeccable, de Clint Mansell, le film s’offre donc au spectateur attentif, sans retenue. Le manque de budget n’est clairement pas visible tant Duncan Jones maitrise le récit et la caméra. Pour un premier film, c’est déjà un coup de maître. Du coup, on aimerai bien en savoir plus sur ce qu’il arrive au héros ensuite et également sur les nouvelles conditions de vie terrestre simplement évoquées. Ce n’est pas parce qu’il n’est pas sorti en salles qui faudrait aujourd’hui le louper sur votre platine blu-ray/dvd.

Gaspard Noé nous invite dans un trip, une expérience intrigante, parfois fascinante et à coup sûr éreintante. Un coup de poing dont on ne se remet pas. Enter the Void.

Pendant 2h30, j’ai vécu la mort. Oui, je suis mort et mon âme a erré dans un Tokyo sous acides. Vous aviez envie de savoir ce qui vous attend après votre trépas, Gaspard Noé vous en offre une vision viscérale dans Enter the Void.

Dès le début du film le décor est planté par un générique agressif avant d’entrer dans la tête d’Oscar. Un jeune dealer qui verra son existence basculer de l’autre côté. En effet, après un trip à la DMT dans son petit appart’ à Tokyo, Oscar est tué par balle. Un choc violent, en particulier quand c’est le spectateur qui prend ça en plein coeur. Car c’est là la force du film. Gaspard Noé nous place en vue subjective. On est littéralement dans l’esprit d’Oscar et même plus, à la place de son âme. Durant cette première partie, on vit déjà l’existence du héros, de son délire rappelant le trip chamanique de Blueberry à sa mort brutale dans un bar mal fréquenté. Puis, on aperçoit une grande lumière blanche. La lumière blanche. Celle-là même qui nous fait prendre conscience que l’on n’est plus. Alors, comme on dit, on voit toute notre vie défiler. En l’occurrence une existence qui n’a pas été facile après un accident de la route fracassant. Et après, on erre. Notre âme voit ce que nos proches vivent, le déséspoir d’une soeur qui a tout perdu, la solitude d’un ami abandonné … avant … le vide.

Pour comprendre cette oeuvre, il suffit d’entrer dedans et de saisir la portée du Livre des Morts Tibétains dont s’inspire le réalisateur franco-argentin, responsable du sulfureux Irréversible. Cette fois, pas d’ultra violence mais une vision choc. Par sa manière de filmer totalement hallucinante, Gaspard Noé nous fait vivre cette expérience viscérale de la mort. Après le trip, tout est possible et les 2h30 qui peuvent parfois (souvent?) sembler longues mais sont totalement légitimes dans ce qu’il veut nous faire comprendre (et là, plusieurs interprétations possibles).

Bien évidemment on pourrait parler de l’extraordinaire travail sur la technique, en phase complète avec le discours. Que ce soit le son, lourd et pesant, ou l’image et ses plans séquence aériens extrêmement bien choisis et en même temps d‘une fluidité naturelle telle qu’on ne peut qu’être embarqué dans ce voyage dans l’au-delà sous acides japonais. Mais en fait, peu de mots peuvent raconter le film. Tout ce qu’il y a à savoir, c’est qu’il s’agit d‘une pure experience de cinéma qu’il faut vivre en ayant le cœur bien accroché. Car il n’est pas donné à tout le monde d’apprécier et de comprendre l’intérêt d’un film tel qu’Enter the Void qui propose bien plus qu’une démonstration technique ou une simple histoire quotidienne mais un voyage presque sans issue. Oui c’est dur, parfois choquant. Oui, on a le tournis et on a l’impression que ça ne finira jamais. Mais au final, après 2h30 de projection, la satisfaction est là. Non pas celle d’avoir aimé un film ou d’être enfin sorti de la salle.  Mais la satisfaction d’avoir appris, d’avoir vécu, d’avoir compris un message portant aussi bien sur la mort que sur la vie. Car la mort n’est qu’une étape intermédiaire et après y être entré, il faut bien sortir de ce vide.

Reste maintenant à savoir si vous serez prêt à en faire l’expérience difficilement soutenable. Car même plusieurs jours après sa vision, il est impossible de sortir cet OFNI (Objet Filmé Non Identifié) de son esprit. C’est bien là la marque d’une œuvre qui se révélera incontournable. Enter the Void est un trip sensoriel à ranger entre les deux claques cinématographique de Darren Aronofsky (Requiem for a Dream) ou Stanley Kubrick (2001).

Logorama (OSCAR 2010) Version Française
envoyé par tsubasa_403. – Court métrage, documentaire et bande annonce.

Il y a des films comme ça qui ne sont pas forcément cultes, mais qui auront marqué quelques spectateurs. Pour moi, Across the Universe aura été la découverte d’une pépite que peu de monde s’arrache.

Oui, pour une fois, le culte du dimanche ne s’intéresse pas à un grand film adulé de toutes les critique et le public. Across the Universe n’aura pas changé l’histoire du cinéma et n’aura sûrement jamais le statut de film culte. Néanmoins, lorsque j’ai découvert le film, ce fut pour moi une révélation, un véritable coup de coeur.

Mais qu’est-ce donc qu’Across the Universe ? Il s’agit du dernier film de Julie Taymor sorti en 2007. Une comédie musicale entièrement basée sur la musique des Beatles. Et c’est là que ça devient culte. Car la réalisatrice arrive à mettre en scène, de manière souvent inventive, avec un véritable sens artistique, une histoire qui tient bien la route avec des personnages attachants seulement avec les chansons des Fab Four.
Évidemment, l’histoire se déroule donc dans les années 60 (normal puisque les Beatles sont définis comme la bande-originale des sixties), alors que les USA s’embourbent dans le Viet-Nam et que le mouvement hippie gagne du terrain. Jude débarque d’Angleterre pour retrouver son père et fait la rencontre de Max et Lucy. Bien entendu, Jude et Lucy tomberont amoureux mais des obstacles seront à surmonter (Max qui part au Viet-Nam, Lucy qui devient militante alors que Jude n’a pas de cause à défendre …).

Si l’histoire est assez classique pour une comédie musicale mais toujours intéressante (grâce au contexte), c’est sa mise en image et son rythme enlevé qui emportent l’adhésion. Car oui, Julie Taymor arrive à nous présenter des tableaux magnifiques avec les chansons des Beatles toujours bien choisies et utilisées aux bons moments. Ainsi, plusieurs temps forts pourront marquer le spectateur. Que ce soit le magnifique Let it Be façon gospel racontant les émeutes de Détroit et l’enterrement du petit ami de Lucy, l’énervé I want You relayant l’appel de l’Oncle Sam, Strawberry Fields Forever mettant en parallèle les visions de Max et Jude ou encore Happiness is a Warm Gun pour le retour de Max du Viet-Nam et évidemment la conclusion du film sur All you need is Love, tous ces instants sont de pur régals pour les yeux et les oreilles. Seul le passage du cirque de Mr Kite plombera un peu le film au milieu.

D’ailleurs, on peut noter les impeccables prestations des acteurs qui tiennent bien leur rôles, mais surtout, chantent avec convictions les chansons des 4 garçons dans le vent sans jamais les trahir. Ainsi, Evan Rachel Wood, Jim Sturgess, Joe Anderton et les autres seconds rôles (portant tous des noms figurant dans les chansons des Beatles comme Sadie ou Prudence) sont impeccables. Et l’apparition de guests (Joe Cocker, Salma Hayek, Bono) apporte un petit plus, un clin d’œil bienvenu.

Si le film raconte donc bien le contexte des sixties, il nous permet donc aussi de plonger dans la musique des Beatles avec une facilité déconcertante. Car ces versions modernes, réarrangées dans le plus grand respect (et avec l’approbation de Paul McCartney) titillent aussi la curiosité et donnent sacrément envie d’en savoir plus sur la discographie de John Lennon, McCartney and co.  C’est avec ce film qu’on se rend compte de l’impact qu’a pu avoir leur musique à l’époque et la variété de titres qu’ils pouvaient produire.

Au final, comme je le disais, Across the Universe n’est peut-être pas un grand film culte mais peut facilement devenir un coup de coeur. Une comédie musicale sans autre prétention que de raconter une histoire universelle avec la musique toute aussi universelle des Beatles. Rien de mieux pour découvrir les années 60 hippies et s’intéresser à la discographie des Fab Four en se sentant beaucoup plus heureux à la fin. C’est déjà pas mal pour un petit film.

Rappelez-vous, toutes ces émotions que vous éprouviez quand vous étiez enfant. Max et les Maximonstres c’est ça, tout simplement.

Après 2 films remarqués en commun (Dans la peau de John Malkovitch et Adaptation), le génial Spike Jonze se sépare du brillant scénariste Charlie Kaufman pour s’attaquer à l’adaptation de la nouvelle pour enfants de Maurice Sendak : Max et les Maximonstres. Et que ce soit clair, ce n’est pas un film pour les enfants, c’est un film sur l’enfance (comme le dit si bien le réalisateur d’ailleurs).

Nous allons donc suivre les aventures de Max, un enfant incompris, sensible et turbulent s’enfuit de chez lui pour arriver sur une île où il rencontrera les Maximonstres. Une aventure hors du commun pour une réflexion difficile sur l’enfance intelligente et pleine d’émotions. Bon, je n’ai pas lu le livre, mais en même temps, quand on voit un film comme celui-ci, on n’en a plus besoin ensuite. En fait, on ne peut pas vraiment parler du film et de l’histoire qui se déroule. Tout ce qu’on peut faire, c’est parler des émotions que l’on ressent à la vision de ces Maximonstres, reflets du caractère du jeune Max. Toutes ce qu’on a pu ressentir enfant est ici décuplé. Parce que lorsque l’on est enfant, on ressent les choses beaucoup plus intensément, sans faire attention au monde exterieur. La colère, la joie, la tristesse, … tous ces sentiments sont plus que présents, ressentis et partagés avec les spectateurs.

Et si l’on est chamboulé par toutes ses émotions, c’est simple. C’est grâce à la maitrise de la mise en scène poétique et à hauteur d’enfant de Spike Jonze. C’est grâce au caractère tellement attachant des Maximonstres (incarnées vocalement par des pointures comme Paul Danno, James Gandolfini ou Forrest Whitaker). C’est grâce à la partition émouvante de Karen O (la chanteuse des Yeah Yeah Yeah qui fait ici des miracles). Et enfin, c’est grâce à l’incroyable composition du jeune Max Records dans le rôle de Max. Ce gamin est vraiment à suivre de prêt tant toutes les émotions se lisent sur son visage et entraînent l’empathie des spectateurs.

Avec tous ces ingrédients, Spike Jonze réussi donc à nous faire partager tous ces instant forts que nous avons oubliés et que nous devons laisser vivre aux enfants pour qu’ils se construisent. Parce qu’ils ont besoin de ressentir tout ça pour affirmer leur personnalité. Non, ce film n’est pas pour vos enfants mais bien pour vous, parents. N’oubliez pas de préserver la spontanéité de vos bambins et rappelez vous de ces émotions qui vous submergeaient lorsque vous étiez gamins. Se laisser emporter par Max et les Maximonstres, c’est ça, tout simplement.

Pour en savoir plus sur le film, sa conception, la BO, … vous pouvez aussi consulter le blog par ici.

Et merci à Fun, Culture & Pop d’avoir partagé le lien via twitter pour nous faire découvrir ce petit bijou.