9 ans après Vanilla Sky, Tom Cruise et Cameron Diaz se retrouvent dans Night and Day, une petite comédie d’action estivale, juste histoire de se prouver qu’ils en ont encore sous la semelle.

Lorsque l’on nous a présenté Night and Day (qui a droit à la traduction française la plus foireuse depuis un moment) avec Tom Cruise en espion affublé de Cameron Diaz tenant un flingue, on aurait pu penser que l’on aurait eu droit à une variante de Mr & Mrs Smith avec plus de second degré. Mais à bien y réfléchir, il n’en est rien car l’histoire d’espionnage n’est ici pas tant le principal que le caractère des deux personnages. TC est un espion un peu fou (bon, même carrément barré de temps en temps) et Cameron est une civile un peu looseuse sur les bords et carrément maladroite au milieu. Évidemment, ils étaient faits pour se rencontrer au cours d’une mission de tous les dangers. En fait, pour l’ambiance, c’est plutôt du côté de 6jours/7nuits (si rappelez-vous d’Harrison Ford bougon assorti d’une Anne Heche sur une île tropicale) et consorts qu’il faut chercher. Les deux héros sont tellement différents mais ils sont finalement faits pour s’entendre et collaborerons pour mener la mission (dont on se foutrait presque complètement si il n’y avait pas Paul Dano à secourir) à bien.

Évidemment, rassembler les deux stars qui ont bossé ensemble il y a quelques années pour les faire retomber dans les bras l’un de l’autre, c’est le bon coup marketing, mais surtout, une comédie d’action est l’occasion pour ces sex-symbols de se rassurer sur leur image … avec quelques années de retard. Car oui, Tom Cruise fait toujours ses cascades et s’éclate à mort dans le rôle de cet agent déluré et Cameron Diaz fait toujours bien la godiche blonde, mais tous deux commencent à accuser quelques rides que l’absence de budget maquillage ne cachera pas ici. Malgré ça, le duo fonctionne bien et on prend un certains plaisir à suivre les personnage dans leur aventure.

Il faut dire que le film est mis en boîte par un bon faiseur, car si James Mangold n’est pas un réalisateur de génie, il a au moins le mérite de toujours livrer une copie honnête (Identity, 3h10 pour Yuma) voir excellente (Walk the Line, l’un des meilleurs biopics récents). Ici il change donc à  nouveau de registre et nous offre une petite comédie d’action estivale qui fait son effet. Finalement, comme le spectateur, il se fout bien de l’intrigue (certains passages seront même complètement éludés, nous laissant imaginer des scènes d’actions qui auraient pu se révéler très drôles et intenses) pour se concentrer sur l’interaction entre ses deux stars servies par des dialogues qui font très souvent mouche. Cameron Diaz en fait des tonnes pour faire la blonde (il faudra attendre la dernière partie pour que son personnage devienne vraiment cool) et Tom Cruise en profite pour tirer la couverture à lui en s’amusant comme un petit fou alors tout passe assez vite.

Mais si Mangold arrive à capter ses acteurs en roue libre, on sent qu’il a dû sacrifier pas mal de budget pour eux. En effet, tout ça sent vraiment trop le petit film estival pour en faire un véritable événement à la hauteur du casting. Ainsi, comme dit plus haut, des scènes d’action qui auraient pu être assez surprenantes ont été purement et simplement évitées (mais on a quand même droit à une efficace séquence de poursuite auto qui vaut le coup d’œil), certains décors sentent vraiment le studio et les effets spéciaux sont plutôt passables (pas un moment on ne croira à cette moto poursuivie par les taureaux). Ici, tout est donc fait pour nous ramener à Cameron (pas mal) et à Tom (surtout). Mais vu qu’ils sont tous deux forts sympathiques et que l’on passe un moment plutôt agréable, vous ne leur en voudrez pas d’avoir quitté votre plage ensoleillée pour les voir.

Quand le réalisateur de 6e Sens laisse tomber son style pour un blockbuster d’action adapté d’un dessin animé, ça donne Le Dernier Maître de l’Air. Et ce n’est malheureusement pas ce film bancal qui va redorer l’image de M. Night Shyamalan.

Au départ, Avatar – Le Dernier Maître de l’Air est une série animée Nikelodeon qui porte une excellente réputation. Évidemment, face au potentiel que dégage l’histoire, les studios s’empressent d’en produire une adaptation qui échouera dans les mains d’un M. Night Shyamalan en perte de vitesse depuis ses échecs successifs (La Jeune Fille de l’Eau et Phénomènes pour ne citer que les plus récents). Seulement voilà, si le réalisateur veut le faire pour faire plaisir à ses mômes (et peut-être aussi pour l’appel du dollar), ce n’est clairement pas un réalisateur de blockbuster et, en dehors de poser quelques ambiances lourdes et mystérieuses, il n’a jamais développé un univers particulier comme peuvent le faire Guillermo Del Toro ou Peter Jackson.

Nous voilà donc emmenés de force dans un monde où 4 nations, chacune maître d’un élément (air, eau, feu, terre), sont en guerre. Un jour, un élu qui maitrisera les 4 éléments ramènerai la paix. Pas de bol, c’est aujourd’hui que cet « avatar»  fait son apparition sous les traits d’un gamin sortant des glaces. Évidemment, pendant que certains chercheront à le protéger pour qu’il les défendent, d’autres vont tenter de mettre la main sur lui pour en faire une arme décisive.

Shyamalan a donc la lourde tâche de concentrer en un film d’1h45 toute une saison du dessin animé. Forcément, ce n’est pas facile et on ressent tout de suite un gros problème dans l’histoire. Les héros vont en viennent d’un endroit à un autre toutes les 5 minutes sans qu’on ai le temps de bien cerner la géographie de cet univers, les coutumes des peuples, leur histoire, … Ce monde qui doit être passionnant à découvrir dans la série est ici survolé avec beaucoup de superficialité. On sent clairement qu’il manque un paquet de scènes qui auraient rendu le récit plus complexe mais tellement plus passionnant à suivre. Mais de toute façon, le réalisateur n’est pas aidé par ses comédiens. Que ce soient les adultes (comme Cliff Curtis qui se demande clairement ce qu’il est venu faire dans cette galère), ou les plus jeunes, ils ne sont pas aidés par les lignes de dialogues creuses au possibles. A moins que ce ne soit le manque de talent de chacun … ou même parfois les deux d’un coup (et là ça fait beaucoup!). On rigolera même devant l’amourette coup foudre qui dure le temps d’un éclair. Seul Dev Patel a la volonté de bien faire mais en fait des caisses pour pas grand chose et le jeune Noah Ringer censé incarner l’élu tire la tronche tout le long du film.

Alors que peut-on tirer de ce désastre en 3D ? Pas grand chose hormis quelques plans bien filmés au milieu de scènes de danse (oui, car on danse le kung-fu pour invoquer les éléments dans ce film fort spirituel!) et d’actions fluides (portées parfois par une jolie partition de James Newton Howard qui fait son possible) et surtout des effets spéciaux vraiment réussis. ILM maîtrise les éléments bien mieux que les comédiens et les manipule de manière ultra efficace. Il est juste du coup fort dommage que ces superbes effets spéciaux soient ternis par un portage 3D de dernière minute encore une fois complètement inutile et mal exploité (mais je ne m’étendrai pas plus sur le sujet … vous connaissez mon opinion sur le sujet).

Malgré ce dernier point, avec un univers inexploité et des acteurs marionnettes, le voyage ne prend pas et on finit par ressentir le même effet que devant le gros ratage qu’était l’adaptation du premier volet de A la Croisée des Mondes qui n’a jamais connu de suite (et ça risque d’être aussi le cas ici). Après ce Dernier Maître de l’Air fastidieux, on se demande si Shyamalan va un jour réussir à remonter la pente pour atteindre le niveau d’Incassable (peut-être serons-nous surpris de son prochain Evil ?).

PS : Merci quand même à Waytoblue de m’avoir invité à l’avant-première du film.

Le voilà, le film de l’année que l’on attendait tant ! Et Christopher Nolan ne déçoit pas. Inception est un rêve de cinéma, un vraie claque comme on n’en a pas pris depuis Dark Knight.

Christopher Nolan avait un grand défi à relever. Faire plus fort que The Dark Knight et être à la hauteur de l’attente qui n’a fait qu’augmenter ces derniers mois à chaque image révélée. Et avec Inception, encore une fois, il dépasse tout cela pour livrer un film unique, un blockbuster intelligent et personnel que l’on n’oubliera pas.

Pour simplifier le pitch, disons qu’il s’agit au fond, ni plus ni moins d’une classique histoire de braquage. Comme tous les films du genre, nous avons la scène d’exposition, la mission, la formation de l’équipe, le plan et le braquage proprement dit. Sauf que Nolan (avec l’aide de son frangin au scénario qu’ils ont mis bon nombre d’années à écrire et réécrire) transcende le genre en le portant dans un univers SF de haut niveau. Car dans Inception, ce qu’il y a à braquer, ce n’est pas une banque mais l’esprit humain. Ici, on cherche des infos dans les inconscients des gens en se baladant à travers leurs rêves. C’est comme cela que Dom Cobb sera amener à implanter une idée dans l’esprit d’un héritier industriel pour le compte de son concurrent mais rien ne se passera comme prévu. Et si l’histoire devient alors un peu compliquée à expliquer, à l’écran, tout est pourtant limpide. C’est là l’une des grandes forces du film. Si il a l’air complexe au premier abord, en reprenant finalement une structure connue et en donnant une grande partie des cartes en main au spectateur dès le premier tiers, le film ne s’embourbe jamais malgré une plongée vertigineuse dans les multiples rêves de ses héros. Encore une fois, Nolan montre qu’il est tout à fait maître de son histoire, de l’introduction jusqu’au générique et livre un récit aussi efficace qu’impressionnant et astucieux. Une plongée magistrale dans le monde de l’inconscient de 2h30 où l’on ne voit pas le temps passer.

Avec un thème comme les rêves et la manipulation de l’esprit, les fans de Nolan ne seront pas déçus puisque le film est complètement en accord avec le reste de la filmographie du réalisateur. Memento, Insomnia, Le Prestige, et même les deux Batman, tous ses films nous amènent directement à Inception qui est tout simplement ce que Nolan peut faire de mieux. Sous ses airs de blockbuster intelligent et efficace, le film est aussi complètement personnel. Les thèmes abordés mais aussi l’univers du film noir chers à l’auteur sont là et des intrigues intimistes comme l’amour éternel pour une personne disparue ou la recherche de reconnaissance d’un père sont abordées de manière très juste.

Toutes ces histoires imbriquées sont également mises en scène de manière magistrale. On sait que Nolan aime s’entoure depuis un moment de pros qui connaissent bien leur job, que ce soit à la photo, à la musique, aux décors, fx … Encore une fois, tous les postes sont mis à contribution pour livrer un film plein et entier. Aucun aspect technique n’est laissé pour compte. Les images sont magnifiques, les effets sont réalistes et impressionnants (le retournement de Paris, un train en pleine rue, la séquence de Joseph Gordon-Levitt dans l’hôtel simplement hallucinante !), et le montage est en cohérence parfaite avec le sujet (l’utilisation des ralentis est complètement justifiée et permet de maintenir une pression constante comme rarement cela a été fait). On notera également la partition impressionnante d’un Hans Zimmer inspiré qui mettra à rude épreuve le surround du cinéma

On se souvient évidemment du casting incroyable que Nolan avait dirigé de main de maitre dans Dark Knight. Ici, il fait encore plus fort. Car si Leonardo DiCaprio est comme toujours impeccable dans le rôle de Dom Cobb qui possède certains points commun avec le héros torturé de Shutter Island, il est entouré d’une sacrée équipe. Marion Cotillard obtient ici son meilleur rôle dans lequel elle joue de manière très juste un personnage complexe, rempli de zones d’ombres, intimement lié à la descente dans les sombres rêves de Cobb. Nolan a également travaillé chaque membre de l’équipe réunie par le héros de manière à ce que l’on puisque s’identifier à eux. Aucun personnage n’est laissé de côté et tous ont quelque chose à raconter. On sent tout de suite leur passé, on s’attache à leur personnalité et chacun aura son moment de gloire. Que ce soit la dualité des personnages de Joseph Gordon-Levitt et Tom Hardy, tous deux impeccables ou la découverte du concept de l’extraction à travers les yeux d’Ellen Page, chaque instant avec eux se savoure. Quand à Cillian Murphy, il rend son personnage de victime aussi intéressant et touchant que ses braqueurs.

Avec tous ces ingrédients parfaits, Christopher Nolan livre donc son récit complexe, tant dans son thème que part sa structure narrative de rêves imbriqués avec des personnages fouillés. Mais le film restera très lisible et posera même un certain nombre de questions à la sortie. Si le spectateur se prend une véritable claque cinématographique à la première vision après avoir maintenu son esprit constamment à l’affut, le film nécessite plusieurs visionnages qui permettront de répondre à quelques questions ou justement en poser de nouvelles. La fin légèrement ouverte laisse le spectateur interpréter ce qu’il veut et Nolan n’y apportera pas la réponse. Tout ça sent déjà le film culte (oui, le mot est déjà lâché !)

Évidemment, certains y verrons un peu de Matrix (??) ou de Dark City et même du James Bond (dixit Rolling Stone ?????), mais les influences sont tellement mieux digérées par Nolan qu’Inception est 100% personnel et offre au spectateur une véritable experience de cinéma comme on n’en vit que rarement. Cela faisait un moment que, l’industrie du rêve, ne nous en avait pas livré un sur un plateau d’argent. Au milieu de bon nombre de films prenant le spectateur par la main pour tout lui expliquer lourdement en lui lavant le cerveau, Christopher Nolan bouscule tous ces principes de grand studio pour livrer un film hollywoodien comme on n’en a pas vu de puis un sacré bout de temps. Inception est le grand blockbuster efficace et intelligent que l’on n’espérait plus et comme nous n’en voyons que peu en une décennie. Maintenant, il nous ne reste plus qu’à savoir ce que Nolan nous proposera après son troisième volet de Batman. Le rêve ne fait que commencer.

PS : Je tiens évidemment à remercier grandement le Club300Allociné pour m’avoir invité au Inception Day pour le film et m’avoir également permis de le revoir en Imax. Géant !

Il y a des petits films sympathiques qui auxquels on ne prête pas grande attention. C’est le cas pour une grande partie des comédies british et ces Petits Meutres à l’Anglaise ne déroge pas à la règle avec son trio d’acteur so fresh.

Maintenant, même les anglais se mettent à nous piquer nos petites comédies bien de chez nous. Mais rassurez-vous, les rosbeef ne vont pas transformer La Totale en True Lies à la manière de James Cameron. Avec tout le flegme qui les habite, ils vont plutôt donner une grande touche so british au sympathique Cible Émouvante (avec notamment Jean Rochefort).C’est ainsi qu’arrive Petits Meurtres à l’anglaise.

Pour la petite histoire, nous suivons un tueur à gages de 50 balais qui doit régler son compte à une jeune escroqueuse d’art. Mais il va l’épargner pour finalement la protéger, elle et un jeune naïf qui se tape l’incruste.

Soyons honnête, le film ne brille pas par son originalité ou par sa mise en scène. En même temps, ce n’est pas ce qu’on demande à cette petite comédie sans autre prétention que de nous faire passer un moment fort sympathique au cinéma. S’appuyant sur des bases solides qui ont fait leurs preuves, Jonathan Lynn fait donc honnêtement son boulot de réalisateur pour nous livrer un divertissement qui remplit bien son contrat en insufflant à son film une touche british bienvenue.

Bien entendu, il est fortement aidé par un trio d’acteur dont le charme agit instantanément dès les premières minutes. Bill Nighy est imperturbable, froid, pince sans rire et a la classe internationale, Emily Blunt est fraîche et pétillante à souhait dans un rôle bien plus léger qu’à l’habitude et Rupert Grint confirme ici tout le talent comique montré dans Harry Potter.

Vous voilà donc bien entourés pour passer un agréable moment et pousser quelques éclats de rire face à un petit humour noir, des dialogues qui font mouche et quelques situations rocambolesques. Des fois, en plein été, il faut rester dans la simplicité et là, il  n’y a pas plus efficace pour rester au frais.

Il y a des fois où le cinéma français essaie d’aborder des sujets ultra-contemporain et se vautre royalement. Avec l’Autre Monde, c’est une nouvelle plantade à laquelle nous avons droit. Normal, on ne peut pas parler de l’Internet et du monde virtuel comme dans un téléfilm.

L’Autre Monde. Voilà un titre bien mystérieux pour le film de Gilles Marchand. Cet autre monde, c’est l’univers virtuel nommé Black Hole. Un espèce de Second Life pour dépressifs. C’est en fouillant un peu trop l’histoire d’une suicidaire mystérieuse que Gaspard va tomber dans le traquenard (oui des fois je fais des rimes … manque d’inspiration ? … peut-être). Pour en savoir plus, il va donc peu à peu laisser tomber sa petite amie et enquêter (un peu) dans le monde virtuel.

Bon, vous l’avez deviné, L’Autre Monde, malgré un sujet qui pouvait être fort intéressant, est un film qui rate son pari. La faute sans doute à Gilles Marchand qui, si il a la volonté de faire quelque chose d’original (c’est très louable et j’encourage même la démarche), n’a pas le discours qui va avec. On sent clairement que le réalisateur ne maitrise pas vraiment son sujet. Le jeux ont évolué et le monde de Black Hole est soigné mais bien vide pour l’identifier à un jeu contemporain. L’idée d’une action se déroulant dans le sud de la France, au soleil, offre un bon contraste avec le ton sombre du jeu mais du coup, la mise en scène ressemble davantage à un téléfilm planplan plutôt qu’à un thriller qui aurait pu proposer une atmosphère malsaine avec un sujet pareil. De ce tout nait alors une morale éculée comme quoi « les jeux vidéo, c’est le mal»  ou encore « on rencontre n’importe qui sur Internet»  qui ne plaira certainement pas aux internautes et geeks qui iront voir le film.

En plus d’une mise en scène plutôt molle, il faut dire que Marchand n’est pas aidé par ses comédiens. Car si Melvil Poupaud s’en sort (comme toujours) bien, Grégoire Leprince-Ringuet est juste insipide. Il a beau être mignon pour ces demoiselles, il ne fait que délivrer des dialogues creux sans grande conviction. On attend de lui un semblant de personnalité puisque c’est le héros que nous devons suivre et qui doit nous emmener dans le monde virtuel. Mais du coup, le détachement que l’on a vis-à-vis de lui ne fait qu’accentuer le sentiment d’ennui qui nous guettait. Pour ces messieurs, il y a toujours Louise Bourgoin qui joue juste, mais en même temps, montrer ses fesses 2secondes en sortant d’une piscine en ayant 4 phrases sur tout le film avec un air dépressif ne fait pas forcément d’elle la plus talentueuse des actrices. Il ne reste donc plus que Pauline Etienne qui arrive à sauver ses scènes avec une force de caractère qui fait bien ressortir son personnage alors que celui-ci n’est pas si présent.

Pour se consoler devant ce téléfilm qui passera bien sur France 2 suivi d’un débat animé par JLDelarue, on peut toujours écouter la BO qui vaut bien le détour. M83 impose une ambiance sonore envoutante et quelques titres de bonne qualité.

Malgré toutes les meilleures intentions du monde, il est dommage que le réalisateur ne soit pas à la hauteur de son ambition. Avec un sujet en or qui pouvait astucieusement mixer problèmes adolescents et monde virtuel, il n’en sort qu’un énorme et long cliché sur cette génération.

Après 10 ans d’attente, Pixar fait revenir Wooy et Buzz dans notre coffre à jouets pour des retrouvailles qui ne déçoivent pas. Toy Story 3 est une grande réussite excitante et émouvante à souhait.

Vous rappelez-vous de ce que vous avez-fait de vos jouets préféré une fois que vous aviez grandit ? C’est la question qui vous viendra à l’esprit après avoir vu Toy Story 3. Car plus que des retrouvailles avec des jouets que l’on connait depuis 1995 et avec lesquels ont a tous grandi, le nouveau Pixar est un rappel que nous avons tous changé depuis et que notre enfance et ses souvenirs sont bien passés.

10 ans après avoir échappé à un collectionneur peu scrupuleux, Andy a grandi et n’a pas ressorti ses jouets depuis un bon moment. Maintenant il s’apprête même à entrer à la fac et va donc quitter le cocon familial. Du coup, c’est la panique chez la bande à Woody qui va malencontreusement se retrouvée piégée dans une garderie.

On ne va pas en dire plus sur le scénario si ce n’est qu’il vous réserve bien des surprises. En effet, si l’on est en terrain connu avec nos personnages favoris, plein de nouveautés font leur apparition. De nouveaux jouets bien sûr (Ken et Barbie en sont le plus bel exemple), mais surtout une foule d’idées des clins d’œils aux classiques qui font toujours mouche. Encore une fois, Pixar met en avant toute l’humanité des personnages qui cherchent désespérément à retrouver Andy dans une Grande Évasion mémorable d’inventivité, mettant à rude épreuves toutes les capacités des héros (et de Mr Patate en particulier).

Évidemment, depuis 10 ans, la technique s’est grandement améliorée et l’on voit une nette différence. Le réalisateur Lee Unkrich (qui a eu l’occasion de travailler sur les précédents épisodes) propose une mise en scène d’une fluidité inégalée qui frappe dès la scène d’introduction et au réalisme des environnement supérieure à Wall-E. La 3D est utilisée de manière discrète, ainsi, elle ne gène pas le spectateur tout en offrant une profondeur de champs intéressante sans pour autant être indispensable à la vision du film.

Mais la technique n’est rien en comparaison avec ce que nous font ressentir tous ces jouets auxquels nous sommes tellement attachés car Toy Story 3 nous présente avant tout de grands moments de rigolade et surtout d’émotions. Ici, ce sont l’esprit de groupe et l’amitié qui sont plus fort que tout, unissant jusqu’au bout les jouets dans leur quête nostalgique du temps où Andy jouait avec eux. C’est aussi un magnifique discours sur le passage à l’âge adulte, où l’on quitte ce qui nous rattache à l’enfance. Et quelle plus belle manière de le faire que de passer le relais.

Pixar adopte avec ce Toy Story 3 un ton un peu plus sombre que dans les précédent et un discours complètement adulte, dans la lignée des derniers opus du studio qui devrait arracher quelques larmes aux plus réfractaires tant les émotions sont ici sincères. Encore une fois, Pixar frappe donc en plein cœur pour nous offrir son film le plus abouti. A voir absolument.

A noter qu’avant le film, vous aurez aussi le droit à l’habituel court-métrage du studio. Cette fois, il s’agit de Day and Night. Une petite histoire mettant en scènes les 2 personnages du jour et de la nuit qui nous montrent chacun les 2 facettes du monde pour nous donner un message très juste avec une 3D relief utile et offrant au court récit une profondeur et une dynamique inédite.

Merci évidemment au Club300Allocine pour la projection qui fut un enchantement.

Shrek a fait les beaux jour de Dreamworks mais force est d’admettre qu’aujourd’hui, la bande de l’ogre est de retour pour un 4e volet qui ne s’imposait vraiment pas.

Il était une fois, un studio d’animation qui était arrivé à dynamiter toute la mythologie du conte de fées imposée depuis des années par une souris. Le premier volet des aventures de cet ogre grincheux avait surpris tout le monde et enthousiasmé les foules. Évidemment, devant un tel succès, le studio a voulu réitérer l’exploit avec un second volet, plus fun, plus fou, plus énorme, plus drôle. Pari réussi. Mais ce fameux studio avait les yeux plus gros que le ventre d’un dragon amoureux et décida de donner le jour à un 3e volet qui commençait à sentir le rat rôti réchauffé. Malgré tout, parce qu’une nouvelle mode a fait son apparition dans la contrée fort fort lointaine (la 3D pour ne point la nommer), un lutin avide d’argent décida de faire revenir l’ogre vert pour une dernière aventure.

Voilà donc notre Shrek parti dans une nouvelle aventure en solo où, déjà épuisé de sa vie de papa ogre planplan, il signe un contrat avec Tracassin pour retrouver, ne serait-ce qu’une journée, sa vie d’avant. Mais voilà, notre héros vert n’a pas lu les mentions écrites en tout petit en bas du contrat et se voit coincé dans un monde où personne ne le connait et où Tracassin règne en maître grâce à un harem de sorcières. Bref, un énorme « what if»  qui nous expose ce que serait devenu le royaume enchanté sans Shrek. Et généralement, quand on fait un « what if» , c’est qu’il n’y a plus d’inspiration, ce qui est clairement le cas ici.

On suit donc Shrek qui va tenter de retrouver et convaincre l’Âne, le Chat Potté (qui a prit du ventre) et Fiona (en ogresse viking) que ce n’est pas le monde qui devrait exister. L’histoire devient alors assez tranquille (parsemée de quelques petits clins d’œils aux précédents volets) avec un message complètement dans le moule gentillet qu’il démontait avec plaisir dans les premiers volets. Du coup, l’enthousiasme n’est pas le même. Un énorme sentiment de déjà vu nous envahi mais avec l’envie de regarder l’original plutôt qu’une aventure qui aurait pu sortir directement en dvd étant donné qu’elle n’apporte rien aux personnages qu’on connaissait.

Tout est devenu aussi mollasson que la vie de papa Shrek. Les personnages secondaires (Ti biscuit, Pinocchio & cie) ne sont plus aussi présent, et l’aventure encore moins drôle. Le seul intérêt qu’on pourra en retirer est donc la présence de la 3D qui est ici utilisée de manière efficace sans être trop ostentatoire. Mais à quoi bon la technique si il n’y a plus de relief dans le récit pour emporter l’enthousiasme des spectateurs.

Bref, il était une fois un ogre vert qui eu bien vécu 2 aventures hilarantes, remplies d’humour et de croches-pieds à l’univers Disney et qui s’est assagi au fur et à mesure que ses créateurs manquaient d’inspiration.

Dans la série des 40 ans toujours puceau, I love you man, Role Models, En cloque mode d’emploi ou Pineapple Express ou tout autre production qui ressemble à du Judd Apatow, découvrez (pour les plus chanceux) : Hot Tub Time Machine. Ce « jacuzzi à remonter le temps » vous propulsera non seulement dans les années 80, mais surtout dans un franc moment de débilités et de réflexions masculines toutes aussi profondes.

Le pitch : 3 potes devenus bien adultes (John Cusack, énorme dans un rôle de John Cusack un peu moins coincé que d’habitude, Craig Robinson et Rob Corddry, génial en suicidaire complètement taré), frisant la quarantaine, se retrouvent avec (Clark Duke, vu dans Sex Drive) le neveu du personnage joué par John Cusack, pour un week-end nostalgique dans un chalet où les 3 premiers ont fait leurs premières expériences (forcément caustiques, narcotiques et lubriques) il y a cela 25 ans. Afin de se sortir du train-train quotidien (d’une vie ratée) et de remonter le moral à un de leurs compères, « Lou », complètement alcoolique et dépressif, ils retournent dans une station de ski, théâtre nostalgique de leur jeunesse. Bien sûr, une soirée bien arrosée au delà des capacités de chacun se soldera par une « Red Bull » russe renversée sur le moteur du jacuzzi ce qui les fera remonter dans les années 80 et retrouver leur apparence d’alors (normal non ?).

Alors, il faut aimer les comédies américaines, les films un peu blockbuster mais sans autre prétention de faire passer un bon moment. Bon, si vous avez un problème avec l’usage de produits plus que stupéfiants, le phrasé plutôt vulgaire, le côté « américain moyen qui a une grande maison, une cuisine digne d’un bon restaurant et une télévision écran de cinéma, mais qui trouve quand même l’occasion de se plaindre car il a raté sa vie », ou même, un problème juste avec les années 80, bah il vaut mieux éviter ce film. La force de ce film réside dans la joie intense qu’il produit chez le spectateur, la simplicité des personnages et la stupidité invraisemblable des situations que doivent retraverser les 4 larrons (bah oui, pour respecter la cohérence spatio-temporelle il faut que les personnages revivent toutes leurs situations les plus jouissives et les autres, moins marrantes).

Parce que ce film fait juste du bien, et cela fait du bien de voir des films comme celui-là, même s’il est plutôt absurde par bien des aspects (même une brigade de vikings ne pourraient se relever d’une telle biture après la soirée épique à laquelle s’adonne la petite équipe au début du film, une fois arrivée au chalet nostalgique, et qui voit défiler une telle quantité de produits à consommer avec plus ou moins de modération à côtés desquels, les stocks de mon monoprix paraissent bien petits). Parce que ce film se rapproche des « bromance », ces films où les mecs passent du bon temps ensemble, se posent des questions sur la vie, sur leurs choix de carrières et de partenaires, réinventent le monde et sont simplement humains, sensibles et non décérébrés et sans réelle profondeur (du Sex and the City pour mec en somme).

Parce ce que ce film n’est pas sorti en France car dans la flopée des comédies sur-vitaminées produites outre-atlantique chaque année, seules quelques unes viennent s’échouer (et souvent échouer) dans nos salles. Et c’est bien dommage car nos chères comédies françaises pourraient peut-être s’inspirer d’un peu de légèreté à piocher dans les films des ricains (à l’humour pas toujours si lourdaud, parfois plutôt inspiré même !!). Alors, n’hésitez plus, plongez dans ce jacuzzi pour remonter le temps et peut-être retrouver une partie de vous même, qui sera bien enfouie derrière les vestes en jeans, les survêtements de sports fluos et autres artefacts des années 80, oubliés (pour certaines raisons sûrement valables).

Après nous avoir enfermé dans un dangereux Cube, Vincenzo Natali revient pour libérer l’étrange créature de Splice.

Cela fait un certain temps que Vincenzo Natali ne nous avait pas étonné. Après Cube et Cypher, son Nothing est passé plutôt inaperçu. Mais voici qu’il nous propose Splice. Un titre toujours en un mot pour cette fois nous parler de manipulation génétiques et de savants jouant à Dieu pour créer leur propre famille.

Parce qu’Adrien Brody et Sarah Polley campent ici un couple de scientifique prêts à presque tout pour recréer un être vivant viable. Mais à jouer les frankenstein, ils vont peu à peut tomber sous le charme de leur créateur. D’abord petit lapin alien, elle va ensuite évoluer vers une créature humanoïde avide de connaitre le monde… et l’amour.

La création qui échappe au créateur est une constante du cinéma fantastique ici réinterprété à sa manière par Natali. Du coup, on sent pas mal les événements arriver. C’est dommage, d’autant que la réalisation est impeccable. Le réalisateur canadien arrive parfaitement à mettre en place une atmosphère dérangeante, souvent malsaine pour nous faire comprendre que la menace pesante de la créature (on saluera d’ailleurs la qualité exceptionnelle des effets spéciaux qui rendent la créature crédible à chaque étape de son évolution). Les thèmes de la dangerosité de la manipulation génétique et de la famille dysfonctionnelle sont bien coordonnés et donnent au film une vraie personnalité. Nous ne sommes pas vraiment dans le thriller fantastique, pas non plus dans de drame psychologique, mais à l’angle des deux genres. Tout cela fonctionne bien, parfois même très bien sur tous les aspects et Natali fait preuve d’une maitrise du récit et de l’ambiance exemplaire, d’autant qu’Adrien Brody et Sarah Polley sont, comme à leur habitude, impeccables. Même la frenchie Delphine Chanéac échappe à son image téléfilm M6 en campant intelligemment et innocemment toutes les facettes d’une créature difficile à cerner, entre attitude enfantine et humeurs adolescentes et colères furieuses.

Mais alors pourquoi faut-il qu’au dernier tiers, le réalisateur casse tout dans cette harmonie pour plonger dans un climat encore plus malsain qui ne sert pas du tout le propos et rappelle dans nos mémoires La Mutante ! Oui, finalement, à la fin, cela ressemble trop aux films de série B avec Natasha Henstridge. Vincenzo Natali a placé son film à la limite entre le génie et le ridicule et malheureusement, à la fin, il finit par tomber du mauvais côté de la corde à cause d’une histoire qui ne méritait pas une fin pareille.

On le pressentait dans Cube, mais avec Splice, c’est clair, Natali est donc officiellement devenu le disciple de David Cronenberg. Ici, il y a un tout petit peu d’Alien, pas mal de la Mouche et surtout tous les thèmes que n’aurait par renié le maître du fantastique canadien. Le réalisateur mène son récit avec succès sur les deux tiers du film mais des événements trop téléphonés et surtout un final malsain et ridicule entraînent le film dans une direction qui ne lui correspond pas. Dommage.

PS : Bravo au Festival Jules Verne d’avoir programmé ce film en avant-première en avril dernier. Un choix audacieux. Merci.

Encore un film avec Gemma Arterton cette année ! Oui mais avec La Disparition d’Alice Creed il s’agit cette fois d’un petit film anglais où elle peut montrer une autre facette de son talent.

2010, c’est un peu l’année de Gemma Arterton. Son nom ne vous dit peut-être pas grand chose, mais la jolie demoiselle était au générique des 2 blockbusters du printemps : Le Choc des Titans et Prince of Persia. Bon, c’est sûr, elle y était plutôt cantonée au rôle de belle plante, potiche de service et les films ne sont pas les plus réussis qui soient !  Mais la jeune anglaise nous réservait 2 petits films où elle nous montre l’étendue de son talent :  Tamara Drewe de Stephen Frears qui sort dans quelques semaines et aujourd’hui, La Disparition d’Alice Creed.

Bon, autant le dire tout de suite, si elle en montre plus dans ce dernier petit film, ce n’est pas pour autant que Gemma Arterton va exploser auprès du public et des critiques. Pourtant le film commence sous de bons auspices. Les 10 premières minutes sont intenses. Deux hommes mettent en place le lieu de détention de la future victime. Cette introduction sans aucun dialogue mais montée de manière très efficace pose le ton et les bases du récit qui sera un huis clos avec seulement 3 protagonistes, pas plus. Du coup, on est vite pris dans le film. Malheureusement, rapidement, J Blakeson fait trop tourner son histoire autour de multiples twists prévisibles (hormis le gros twist central concernant les 2 kidnappeur qui est carrément inattendu !) qui mèneront donc à la fameuse disparition de l’héroïne.

Pour son premier film, le scénariste de la suite de the Descent s’avère donc par certains moments efficace et intéressant mais veut trop en faire et indiffère alors à un certain moment les spectateurs, surtout lorsque c’est téléphoné. Mais il a devant de lui un Eddie Marsan (d’habitude cantonné aux second rôles comme dans Sherlock Holmes) assez charismatique, un bon Martin Compston et surtout une Gemma Arterton qui attrape enfin la pellicule pour révéler une facette de son jeu qu’on ne connaissait pas.

En conclusion, si le film est un petit huis clos efficace dans son introduction, le reste est tout de même trop téléphoné pour en faire quelques chose de mémorable malgré quelques intentions intéressantes. Reste à voir ce que fera le réalisateur par la suite. Quand à Gemma Arterton, elle étoffe petit à petit son répertoire. Peut-être qu’elle aura un jour un vrai rôle intéressant.

PS : Merci au Club300 Allocine pour l’invitation.